Raito

46.Contemporary Celtic（当代凯尔特）
        在80年代和90年代，一些乐队通过添加流行，摇滚，民俗，爵士和***潮音乐来扩大凯尔特音乐的界限。就如Clannad, 让当代凯尔特在开始时就一下猛发起来。

具有该风格的乐队/艺人名单：

enya

见3楼

Raito

47.Contemporary Instrumental（工业时代）
        工业时代音乐通过美学的***潮改革了电子音乐的派别而形成了，仅仅描绘了宽广的情感与潮流的并列。在前进的电子音乐强调豪华，精细和经常性的堂皇，合成的时期，工业时代只是自由的制定了简单，安静的沉思，或是除了易理解的悦耳音调之外还明确的以独唱为特征。工业时代也制造出华丽的音乐，有些时候还孤傲的运用声学乐器，特别是当月对象创造出柔美，舒适的状态。钢琴家George Winston的唱片在80年代早期帮助建立了这一趋势。并不是所有的工业时代的乐队都运用了***潮的思想，既使他们的音乐还常常利用类似的感情和影响；此外，工业时代的音乐可能运用了少量的流行，摇滚，爵士，民谣，古典和世界音乐。不过，在80年代和90年代，通过乐队同时适应多于一个种类的音乐的趋势从而继续证明了进化的电子音乐，类似成人另类的风格和工业时代的高阶段的交叉点。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Black Tape For A Blue Girls

        人们经常拿Black Tape For A Blue Girl与Projekt旗下另一队组合Lycia以及Miranda Sex Garden等乐队进行比较。或许这样的比较毫无意义，但至少可以为您大致勾勒出他们的音乐方向，或说趣味。后一个词也许可以用于形容大多数Projekt旗下的Dark Wave乐队，他们并非以4AD为代表的Dream Pop乐派，亦非Mute那种黑暗压抑的艺术。他们的音乐，很多都可以形容为美丽的自恋，并径自徜徉其中而留连忘返。

乐队主要创作者/键盘手/歌手Sam Rosenthal于1983年在佛洛里达建立了Projekt厂牌，那时公司的性质还主要是Sam自娱自乐，用来销售他独力做出的一些具有Techno Pop风格的电子音乐。三年之后，公司搬去加州，发行了Black Tape for a Blue Girl等的作品，它的名字才开始逐渐为人们所知。此时正是英美地下摇滚乐的"黑暗"时期，众多工业/噪音/哥特乐团开发着人们所有对于黑暗病态艺术的想象，这是一个考验你的接受能力和修正你的审美观念的年代。而Black Tape For A Blue Girl以他们混合了ambient, new age和哥特摇滚的曲风,使他们很快成为Projekt旗下最为引人注目的乐队。


关于乐队的名字：Black Tape For A Blue Girl，Sam不愿详加解释，只是说仔细听他们音乐的人自会理解。他也很乐意留给人们想象的空间。与4AD的This Mortal Coil和Ivo的关系不同。Sam对Black Tape for a Blue Girl的参与要多得多，他对文学的爱好亦使得他的创作无论是歌词还是音乐中都充满了唯美的悲剧气氛，而Sam自己则提到了卡夫卡、萨特、波德莱尔等名字对他的激励。Sam并未把Black Tape For A Blue Girl视为一支严格意义上的乐队，他说"Black Tape For a Blue Girl"让我了解自己的想法和我对艺术的观念。所有同我一起工作的人都理解我所要表达的东西并帮我将它们付诸实施。与那种大家走到一起共同发表意见的乐队不同，在Black Tape For a Blue Girl里，每个人都贡献自己的才能，但大家都知道是由我决定如何安排。在这个意义上，我们更类似于一出戏剧，而我则是做最后总结的导演。

除了Rosenthal，乐队其他成员一直变化不定；事实上,唯一长期的合作者只有男歌手/吉他手Oscar Herrera,其他值得注意的出现过的乐手还有：一位让你想起希腊神话中的海妖塞壬的女歌手Lucian Casselman, 小提琴手Vicki Richards，大提琴手Mera Roberts ，木箫手Richard Watson。长笛手LisaFeuer（同时也参与了很多唱片包装设计）。这支乐队从未举行过现场演出（原文如此，据我所知还是有，很少就是，译者注），也很少凑在一起录音。


他们弥漫着深深悲伤的音乐是在午夜梦回时产生的阴暗的激情，在失意者听来，不啻于天籁仙音。也许可以用一位歌迷的话来形容："在他们的世界里，爱与痛苦并肩而行。痛苦似乎是到达最深的真爱的必经之路。而爱则不可避免的会带来痛苦。"Sam自己则说："这种悲伤来自于我个人经历的影响。我所爱的人、他们如何改变我，都会从我的音乐中反映来。这是一个缓慢渐进的过程，因为生命本身就是由许多细微的小起伏组成。的确，在我的唱片中很难找到一首可以被形容为"快乐"的歌曲，尽管"through sky blue rooms" (1989年专辑Ashes In The Brittle Air中)，听起来有一些快乐的情绪，但最后还是会以悲伤的调子结束。对我来说，的确很难写出些快乐的作品，我和Oscar有时会讲起写首快乐的歌多少是件不可想象的事。但我并非是以消极的心态去看人生。不象很多哥特艺术家所做的，我并不预言必然的衰落和人类的毁灭。我仍然充满希望并向前看。我只是没有受过什么音乐方面的训练，我所受的影响更多的来自文学家而非音乐家。我所着迷的是萨特的存在主义叙述:你就是唯一使你成为你自己的东西。这里面并没有什么偶然和运气的成分在内。是你自己塑造自己的生活，如果你将时间花在悲叹和感慨没有什么事情是完美的话，那你只会发现实情如此。为自己寻找真爱，或是取得成功，或是变得高兴起来，什么都需要靠自己进行!生命只是我们所得到的机会，我们必须找到什么是美的，什么是我们可以为自己做的!因为在人们死后不会有美丽的天使来引导人们进入幸福的天堂。你必须为自己做这一切。我想人们宁愿欺骗自己，也不愿意承认他们对现状不满，我也曾放弃自己的信念，来避免面对痛苦。我认识到爱就意味着放弃抵抗，准备被你所爱的人摧毁。"Sam并不畏惧在自己的音乐中解刨自己，对他来说，真正的艺术就意味着要涉足人们经常会掩藏的东西。除了歌词，Sam在音乐上的创作也达到?讼嗟钡母叨龋?谒?囊衾种校?憧梢蕴?剿?侨绾斡贸墒於?岫ǖ男奶?ッ娑园?屯纯啵?谒?亲詈玫淖髌稲emnants Of A Deeper Purity中，这种心态到达了极有表现力的高度。很长的组曲用带有魔力的大，小提琴作为主体。Sam的键盘。Lucian的歌声,悠远而悲伤, 安静的啜泣里，眼泪暗暗流出。今年的新专辑As One Aflame Laid Bare by Desire中弦乐成分更重，Sam与曾经合作过的女歌手/吉他手JuliannaTowns等合作，作出了一张比以前更向古典乐靠拢的作品。一方面专辑的内容是象以往那样，以一对男女痴缠的故事来表现纯洁的浪漫与痛苦的激情，告诉我们："Gothic"，并非是指Marilyn Manson之流的装扮。


另一方面则展示了Sam所受的，来自二、三十年代的法国象征主义画家马塞尔·杜桑（以其历时十二年创作出的作品"大玻璃"又名"被单身汉剥光了的新娘"而著名）的影响。这位艺术家晚期的作品主要讨论色欲，在他为自己的作品"The Bride Stripped Bare by Her Bachelors,Even."所写的导读中中，他写道"I used to think of Love as a machine; myself as a motor, erotic energy," Sam则将其原文引入了音乐，在歌中，主人公唱着自己想要感觉到爱，想要被爱彻底占有，想要抛开表面意义上的爱而浸淫其中。十几年过去了，今天的Projekt在DarkWave/Gothic乐迷心中已无异于教徒的圣地，它所出版的那些混合了NewAge和吸血鬼的歌曲，深刻的揭示出人们心中的爱和欲望的交战。并被认为是填补了4ad迈入商业之后地下氛围摇滚乐的空白。Black Tape for a Blue Girl也被视为Projekt之声的代表。除了Black Tape for a Blue Girl，Sam还参加了Projekt旗下另一支叫做Thanatos哥特-民谣风格的乐队。既要经营公司，又要参与两支乐队的活动，Sam也难免感慨分身乏术了。

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[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-3 09:06 PM 编辑 ]

Raito

48.Country（乡村音乐）
        乡村音乐是属于传统的，尽管它简单的形式使自身无止境的萌发出许多类似的主旋律。像蓝调---两种流派常常分享主旋律, 音调和歌曲---乡村音乐的核心就是简单的音乐。大部分的乡村歌曲都是围绕三和弦，和平调而创作的，但是这些形式是很基本的，他们允许很多不同的风格，从honky tonk坚硬的声音到Western Swing即席创作的爵士乐。乡村音乐由美国南方民谣（Appalachian和蓝调）而来，早时期的乡村音乐是简单和民族的，仅用吉他和小提琴。当流派在不断的派生时，早时期的由吉他和小提琴组成的乡村音乐通过honky tonk和Western Swings到早期流行的Countrypolitan 和使摇滚改变风格的Bakersfield Sound从而被驱策为传统的乡村音乐，成为现代乡村音乐的基础。

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Mark Knopfler

         Mark Knopfler 是Dire Straits（恐怖海峡）的主音吉它兼主唱，是乐队的灵魂人物，可以说，这个乐队是他个人情感的宣泄。 Dire Straits（恐怖海峡）乐队融合了爵士与民谣，表演质朴而有内涵，让我们在电声音乐中还能感受到许多传统音乐的温馨，他们作品可以说张张是精品，是新音乐中比较具有特色的一支乐队。乐队的作品基本上出于Mark Knopfler的手笔，Mark是一位才子型人物，他不仅有出众的吉它演奏技巧，而且十分自信且很有观念，他力求做真正的完美音乐家而不是一位娱乐界的明星。
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Raito

49.Country-Rock（乡村摇滚）
        本质上来说，乡村摇滚是摇滚的乐队在演奏乡村音乐。它是通过相反的文化观念而形成的乡村音乐，同样，它依靠扩大的高声喧闹，卓越的基调强节奏和流行的音调。第一个乡村摇滚乐队---the Flying Burrito Brothers, Gram Parsns, the Byrds和Neil Young---演奏直接的乡村音乐，从Merle Haggard和Buck Owens的Bakersfield乐曲中获取灵感，就如honky tonkers像Hank Williams一样。在这些流派进入了70年代后，较粗糙的边缘被平缓的划除，比如the Eagles, Poco, Pure Prairie League 和Linda Ronstadt创作出更平缓更舒畅的音乐一样。这就使乡村摇滚在７０年代成为杰出的类型。在８０年代末，一个另类摇滚的小乐队开始复苏了早期Parsons 和Young刚毅曲风。

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Grateful Dead

        1964年组建。起初乐队的名字叫“Warlocks”，后来乐队的成员开始服用LSD兵书；并开创了“迷幻摇滚”的先河。同时他们还成为第一支在吸毒后即兴表演的乐队。也是在这一时期乐队改名为“The Grateful Dead”。1966年乐队已在地下乐坛名声显赫，他们的音乐无所不包从小调到硬摇滚。1967年夏天乐队参加了雷蒙德音乐节，并被誉为音乐界上最好的乐队。同年乐队发行了第一张同名专辑，被称为用布鲁斯演唱的迷幻摇滚。1968年因与签约公司关系不好而使得第二张专辑《Anthem of the Sun》并不出色。1967年到1969年之间乐队进行了巡演并推出了第三张专辑《Aoxomoxoa》成绩依然不理想。1970年推出了现场双专辑《Live/Dead》，《Workingman’s Dead》及《American Beauty》均获得了成功，其中后两张专辑是乐队历史上销量最大的专辑。在此后乐队及乐队成员都出了许多专辑，并一直进行着巡演。在这期间的专辑《In the Dark》被认为是最好的作品，并为乐队赢得了第一首热门歌曲“Touch of Gery”。1995年Jerry Garcia去世，乐队宣布解散。The Grateful Dead系统的把自由自在的一种音乐形式引入了摇滚乐，他们的音乐表明了他们在不断的发展自己的音乐理想。 ……
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Raito

50.Dark Ambient（黑暗氛围）
        Brian Enos独创的unobtrusive musical wlalpaper环境音乐, 随后被温暖的室内旋律所包围并且在90年代通过Orb被给予俏皮的感觉，在一切的改变中，它发掘了风格相反的另一种音乐形式---Dark Ambient。这些音乐领域的新移民被以很大程度的进行了人身攻击---并列的从旧式工业和金属实验（ScornsMick Harris, Current 93s David Tibet, Nurse with Wounds Steven Stapleton）到电子研究（Kim Cascone/PGR, Psychick Warriors Ov Gaia），日本噪音乐队（K.K Null, Merzbow），和进来的独立摇滚（Main, Bark Psychosis）---黑暗氛围是以低沉的音调或是键盘弹奏的完全无规则节拍，怪诞令人不安的实验以及主要的吉他效果为特征的。像大部分在90年代有关电子舞曲的风格一样，它是很模糊体系：许多乐队通过各自相继的发表作品进入或离开这种风格。

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Burzum

        varg vikernes于1973年2月11日21点58分生于挪威的bergen。但一些人认为这一刻就是第六个月的第六天六点钟（666代表恶魔），但无论怎么说，这都是一个?婀适碌目?肌：诎档暮鸵帐醯钠?⑹贾瞻樗孀舠candinavian black metal乐队burzum，但人们真正感兴趣的却是乐队的成员varg本人，因此甚至忽略了burzum本身音乐的价值。burzum的音乐是他们对凡人痛苦的阐述，乐队在黑暗中思考，以至于在众多的blackmetal乐队中，burzum是的在思想深度上和音乐的概念上走的最远的乐队，乐队在哲学上的理论和在历史问题上的观点吸引了大批的追随者，然而，他们在亦在古典音乐和死亡金属的融合上创造了新的概念。于是，他们一次次大创造出了充满黑暗思想的音乐旋律，而你必须从他们大角度才能理解这些黑暗的音乐中的感情之所在...
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Raito

51.Death Metal/Black Metal（死亡/黑色金属）
        死亡金属由80年代后期的鞭挞金属而来。带着坚硬的歌词和对鞭挞病态的困扰走着极端路线，死亡金属是---就像它的名字所暗示的一样---仅仅是关于死亡，痛苦和受折磨的内容。这些残酷寒冷的歌词被不断喧闹，重型的重复着，这种风格受到很多像Black Sabbath迟缓金属般的影响，Metallica就是典型的代表。死亡金属乐队也同样受了很多70年代艺术摇滚复杂歌曲结构的影响，尽管大部分的这些复杂的歌曲结构是从Metallica那里学来的。死亡金属从没有在大众中产生共鸣，但是对于一些顽固的重金属乐迷来说，Metallica 和Guns N Roses是最优秀的---他们在80年代后期到90年代早期买了数百万的唱片---或者还有流行金属，如Poison。死亡/黑色金属在90年代保持了一小批忠实的乐迷。

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Abigor

      在blackmetal蓬勃发展的今天，每个国家都有一支可以说是带头的乐队，象挪威的mayhem，瑞典的dissection等。而在奥地利abigor可以说是奥地利blackmetal的带头人，他们带领了一批具有奥地利风格的blackmetal乐队。abigor成立于1993年，当时乐队是由p.k和t.t.组建的，不久之后rune（就是现在的tharen）加入乐队担任乐队的主唱，很快第一张demo《ash nazgh…》发表于93年的秋天，同年十二月，第二张demo《lux devictaest》发表。94年二月，乐队又制作了一张试听带，而在94年的三月，abigor终于发行了他们最后一张demo《moonrise》，在这张作品发表后，主唱tharen决定离开乐队去干自己想干事。之后，他的位置由silenius代替。silenius在任时，乐队又制作了一张试听带名为《hate&sin》，并且签约于奥地利的唱片公司napalm records。94年六月，乐队终于推出了第一张正式专辑《verwuestung/invoke the dark age》，专辑一发表，这支年青的乐队就以他们惊人的创造力和烈火般的作品被人们推为blackmetal界的天才。94年十一月，abigor又发表了一张概念专辑《orkblut－the retaliation》，这张专辑讲的是一个勇士的故事，他为了追寻他异教徒的根而最终燃烧了自己的心，专辑中用音乐描写了他起伏的生活，他的感觉和他最后的搏斗。这是在blackmetal专辑中不多见的概念专辑，也是blackmetal中经典的作品...
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[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-4 22:27 编辑 ]

Raito

52.Detroit Rock（底特率摇滚）
      在60年代后期到70年代早期这段时间，底特律摇滚并不仅是在底特律内流行，它是在70年代仅崛起的对主流重金属其主要冲击力量的风格，而且为朋克运动打下了坚固的基础。底特律摇滚是简单的，强劲的和过激的；它还是原始的，粗野的，展现一种远离优雅的姿态。底特律摇滚的根基实际上是延伸于两个邻近的城市：the industrial Flint和the college town of Ann Arbor，尽管它最重要的舞台是在底特律本身。最早的底特律摇滚包括了像Amboy Dukes和the Mysterians的迷魂气息车库乐队，还有像the Rationals和Mitch Ryders Detroit Wheels重金属蓝调的灵魂乐队，他们都是主要受早期R & B和摇滚（Chuck Berry, Little Richard等）影响的乐队。底特律摇滚真正的大跨步的前进，然而，通过the Stooges 和the MC5这两个在1969年初次发行唱片就造成大轰动并且在70年代早期一直持续唱片辉煌的原始朋克乐队的巨大影响。在商业价值上，底特律摇滚有着他们不可比拟的优越性。当Cub Kodas Brownsville Station用经典的专辑”Smpkin in the Boys Room”重击了摇滚界，Grand Funk Railroad和早期的Amboy Duke Ted Nugent 都在70年代由于他们是重型摇滚的代表而成为了巨星。Alice Cooper，玩底特律音乐出身的，在Arizona 和Los Angeles演出，又重回了这个城市并且将他的乐队改进为最伟大的重金属摇滚之一的乐队，当早期的Ann Arbor和车库摇滚Bob Seger在差不多接近十年的唱片辉煌和保持传统摇滚风格后，最终在70年代中期突破自身来成为底特律摇滚的演奏者。而且，底特律为朋克摇滚的产生发展提供了辉煌的帮助并且这也是为什么底特律摇滚如今仍被尊敬的主要原因。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Mc5

      要开创一个新时代,需要一无前的勇气，MC5在六十年代末的出现决不是偶然的，他们代表了新代追求理想的年轻人，朋克也在时开始向死气沉沉的世界注入勃生机.“你闭起眼睛听我们的音乐，会听到地球粉碎的声音”，MC5的成员这样说过。很难想象在十年代末会出现如此激烈而嗜杂音乐，MC5用空前的勇气和单纯的动向世界呐喊看：“Brothers and Sisters,it's time for revolution!”这种能够毁一切的音乐，足以在心灵中重一个理想的新世界。这张Live版专辑最大程度地传递了一种革命冲动，在那一往无前的音乐里，灵魂的呐喊、理想的火焰、死亡的沉迷都爆发出极大的能量，你感到心灵在震颤，生命在极限的边缘开始清晰和明亮...
推荐歌曲：I Can Only Give You Everything（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-5 13:57 编辑 ]

Raito

53.Disco（Disco）
       Disco标志着以舞曲为基础的早期流行音乐的开始。绕开70年代日益繁盛的声音和疯克，disco强调节拍，甚至是歌手和歌曲。Disco是在那些不放任何的音乐除了舞曲的夜总会，discotheque后命名的。大部分在纽约的discotheque都是同性恋的俱乐部，DJ们因此专门挑选强烈节奏，重型风格的疯克唱片来播放。在disco出现后，唱片开始在电台播放，并且有很大的销量。很快，唱片公司和音乐制作者开始削减除了disco以外一切音乐形式的创作。自然的，这些唱片也有很强的流行因素，所以他们可以如此成功。Disco专辑常常不需什么改变---他们屈指可数的长的歌曲只是保持节拍在不停的敲打。同样的，那些单曲被发行为12英寸的唱片形式，有利于延长再混合的时间。DJ们可以混合这些磁轨，只要它们被标记为每分钟节拍的数量，就可以匹配每首歌的拍子。很快，一直以强烈拍子为标志的disco在流行音乐中占有了优势，并且每个乐队都融合了一些disco的成分，从摇滚明星the Rolling Stons和Rod Stewart到流行明星the Bee Gees和***潮乐队如Blondie。一些disco乐队成为了明星---Donna Summer, Chic, the Village People,和KC & the Sunshine Band---自他们创作这些节奏和谱曲以来，都是制作者的音乐中扮演主要的媒介作用。Disco在70年代到80年代逐渐失去了动力，但是它并没有消亡---它变异为了多种的以舞曲为基础的流派，从业余到专业的广泛的舞曲流行。  

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Bee Gees

        出生在爱尔兰海曼岛的Bee Gees(比吉斯兄弟)从小便受到音乐的熏陶，父亲Hugh是乐团的团长，母亲Barbara则是位歌手。9岁那时Barry已经开始歌唱并弹奏父亲送给他的吉他，帮他伴奏的是两个6岁的双胞胎兄弟Robin与Maurice。Robin与Barry那独一无二的嗓音成为日后乐团的著名卷标，Maurice则是在吉他、贝斯及键盘等乐器上钻研。在十几岁时，他们随着父母搬至澳洲，以Rattlesnakes为团名在布里斯本的赛马场表演。1966年的《Spicks & Specks》为他们在澳洲得到首张冠军单曲，1967年三人以Bee Gees为团名正式重返英伦。

　　经纪人一职由披头士经理人Brian Epstein的伙伴Robert Stigwood担任，从60年代开始，Bee Gees以旋风之姿风靡了英伦。1967年推出的首张大碟《The Bee Gees First》不但让他们成为榜上常客，其运用文字描绘影像的歌词与让人无法抗拒的旋律，使得歌曲《New York Mining Disaster 1941》、《I Started A Joke》、《Massachusetts》、《Holiday》和《Words》如今依旧是代表那个年代的伟大歌曲。早期的Bee Gees以充满灵魂的音乐为走向，指针作To Love Somebody便是献给Otis Redding这位对Robin唱腔影响极钜的节奏蓝调大师。在专辑呈现上Bee Gees也不落俗套，69年的《Odessa》便是一例，该专辑与The Who的《Tommy》并列为先导概念之作。

　　随着《How Can You Mend A Broken Heart》在70年代初期夺下排行榜的冠军，Bee Gees堂堂迈入他们的辉煌时期。70年代中期，Bee Gees转向他们称之为“蓝眼灵魂乐”的音乐风格，以假音唱腔搭配富旋律的曲调与肥厚的贝斯声线，俨然成为新式的R&B风潮。对于他们来说，放克的增添使得他们对节奏蓝调的热情再次苏醒。《Main Course》这张由Arif Mardin打造的专辑，其中2支单曲《Jive Talkin'》与《Nights on Broadway》更在97年轰动各大舞池。然而对之后的《Saturday Night Fever》而言，它们只是道开胃前菜，因为这张《Saturday Night Fever(周末的狂热)》电影原声带后来成为70年代最受欢迎的专辑，并开出4000万张的销售狂潮。  

　　接下来的《Spirits Having Flown》奠定了他们“世界最伟大乐团”的地位，在这段光辉岁月里，Bee Gees缔造了两项空前绝后的纪录：乐史上唯一连续创作出6首全美冠军曲的艺人、以及唯一同时拥有5首歌曲在美国单曲榜Top 10的歌手。另一位Gibb家族成员也在70年代末期展露头角，在Barry的庇护下，19岁的Andy Gibb在1978年囊括了三座单曲冠军《I Just Want to Be Your Everything》、《(Love Is) Thicker than Water》及《Shadow Dancing》。

　　Bee Gees在80年代开始各自发展，80年初期Barry与他的制作群大部份时间都在和歌坛巨星如芭芭拉史翠珊的专辑《Guilty》、戴安娜罗丝的《Chain Reaction》、Dionne Warwick的《Heartbreaker》以及肯尼罗杰斯与桃丽芭顿合唱的《Islands in the Stream》合作。这些由Bee Gees创作加上Barry制作的歌曲，最后多数都成为歌手们最具代表的作品，而最佳拍挡Bee Gees自己本身也以UK冠军《You Win Again》再现横扫全球的魅力。90年初Bee Gees在五大洲举办久违的现场演出，紧接着的One Night Only电视特集更在全球造成热烈回响。

　　如今专辑在全球累积销售量已突破1亿张大关的Bee Gees，不仅是唯一在60到90年代都能夺得排行榜冠军的歌手，更是史上最成功的三重唱。《周末的狂热》依旧保有全球最畅销电影原声带的纪录，同时也开创日后以歌曲为导向的电影原声带模式。拥抱过7次葛莱美奖的Bee Gees，也光荣的成为创作名人堂与摇滚名人堂一员，并获全英音乐奖颁授“杰出贡献奖”，表扬他们对音乐的众多贡献。另外，改编翻唱Bee Gees的歌曲高达500多首，其中不少是像芭芭拉史翠珊、超级男孩、天命真女、席琳迪翁、猫王、珍妮丝贾普林、戴安娜罗丝等天王天后级的歌手。  

　　过去这些过人的成就更肯定了Bee Gees 2001年的新专辑《This Is Where I Came In(我的开始在这里)》的音乐性，从《Sacred Trust》的优雅耳语到《Loose Talk Costs Lives》的深远灵魂，再到《Deja Vu与Embrace》的浪漫激情，除了音乐本质其它都无需在乎。对于在流行音乐界有着举足轻重地位的Bee Gees而言，能在数十年后依旧受到欢迎与尊重的确是件很棒的事，而《This Is Where I Came In》也再次证明了Bee Gees的音乐有着跨越时代的魅力。  

　　Bee Gees保留昔日传奇性的信念，同时持续探索着从未接触的领域。一段段令人难忘的旋律随着空心吉他缓缓流泻，尾随而来的是由三个不同特质音色所组成的合声，真实地呈现出他们对过去这40年来所发生的一切感受。
推荐歌曲：first of may The Your Song 2（点击下载）

Raito

54.Doom Metal（厄运金属）
        从缓慢的哀悼曲和偏执黑暗的Black Sabbath中得到了灵感，厄运金属正是少数那些抛开浮华的技巧来表达感情的重金属流派（尽管浮华的表现手法是流行的）。正如它比大多数金属更多地描写安息日，厄运金属非常的缓慢，沉重和颓靡，阴沉的情绪几乎不能离开；它稳重的节拍和黑暗的吉他声代表着一种对厄运迫近感觉的唤起。在80年代中期这场运动显露了它的面貌，像地下乐队the SST标志的Saint Vitus，批评欢呼的Trouble和以他们非潮流的风格吸引听众的Swedens Candlemass, 安息日是众多乐队乐于描写的主题。在90年代，Trouble和Cathedral将厄运金属带入了更宽广的金属听众中，很快，拥有不同品位的听众被代表黑暗的厄运金属所吸引。厄运金属是90年代众多在减速迷幻stone metal运动中被格式化影响的风格之一，对于乐队来说它并不是很难找到可取成分的。另一个在90年代厄运金属中有一定程度上压力是---像Paradise Lost, My Dying Bride, Anathema这样的英国乐队先驱---把Sabbath在声音上沉重的覆盖了哥特金属的敏感性，在偶尔的加上死亡金属的成分；结果是悲伤和笼罩着阴沉气氛的感觉。90年代在新奥尔良还诞生了独特的厄运金属：像Crowbar和Eyehategod的那种常爱描述”sludge metal”形式的乐队，因为他们沿袭了像the Melvins和Soundgarden般早期的西雅图车库。个别的厄运金属乐队有一体化的前进的趋势，尽管这种现象并不是普遍。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Anathema

        Anathema可以说是90年代最受低估的乐队了。刚起步时没人会知道你被低估了，因为那个时候你已经被低估了，有时候会那些有才华的人们会备感折磨。这些话绝不是自夸自大，而这种情况也确实是Anathema的负担。乐队的诞生、孕育和成长都深深刻有利物浦的风范，乐队的这四个成员同时也是四个好朋友（其中两个是弟兄）对于Anathema传奇性的开端很是感到骄傲。

然而到1999年6月Anathema发行他们的第五张专辑“Judgement”——这绝对这10年里是一张定义同类音乐风格的专辑！Judgement录制于意大利 Ventimiglia的Damage公司录音棚，Kit Woolven（Thin Lizzy和Cradle Of Filth）担当了制作人，Anathema花了足足3个月录制完成了他们的这张杰作。在专辑制作完成以前已有消息说这张专辑中将会有非常特别的东西，而Anathema录音期间在意大利做的一些演出正暗示了这点。

“Judgement”最终在1999年6月21日浮出水面，马上受到广大歌迷和评论的一致喝彩，专辑被公认为神圣崇高而富有启示意义，同时全球有20多家杂志将“Judgement”评为月度最佳专辑，凡是自称为摇滚乐迷的人会引用这张专辑来提及这支极端金属的最前沿乐队Anathema。

当这三个人——Vinnie,Danny和Jamie Cavanagh玩弄着一两把又老又破的原声吉他的时候，几乎没人会想象出他们能达到什么地步。但就在一年之后他们第一张小样“An Iliad Of Woes”完成了，1990年时便在地下音乐圈里广为流传，在如此早的阶段就有人认为Anathema相当出色而且前途无量，但没有人会预测到乐队将来到底会取得如何的成就。

第二年乐队又继续出了第二张小样“All Faith Is Lost”，同年乐队也以官方形式发行了第一张唱片——一张由Witchhunt唱片发行的7"EP，名为“They Die”。凭借着这几张唱片的实力，Peaceville签下了Anathema，不久后边发行了“The Crestfallen”，一张为歌迷焦急等待的单曲碟。然而唱片却没有让让歌迷们失望，歌迷们还给予了“The Crestfallen”任何唱片发行都无法得到的赞誉。到了这个时候Anathema那独特的风格已日趋成熟，并在乐队的第一张专辑“Serenades”中得到了集中体现。这张专辑发行不久后又是一张名为“Pentecost III”的mini-CD，唱片的风格类似于乐队的第一张专辑，也体现了乐队非凡的创作能力。

紧接着这张唱片是乐队的第二张专辑“The Silent Enigma”，主唱Darren White在录制进行到一半时离开了乐队。为了完成这张专辑吉他手Vincent Cavanagh顶替了主唱位置，而Anathema也尽可能完成专辑的录制工作。结果这张专辑还是一张出色的作品，并体现着Anathema音乐自然而然的进步，而所剔除的是含糊的合作方式以及旧的歌曲结构，同时专辑展现了更多简明的金属交响曲，却没有失去诗篇般的独特魅力，专辑里还包括乐队演唱会时令人激动欢心的压轴曲目“A Dying Wish”。现在人们已开始认识到这个来自利物浦的年轻乐队迟早有一天将成为一个伟大的音乐组合。

Anathema的下一张专辑“Eternity”然而也是乐队对自己音乐做的最大一次的改动，但“Eternity”至少也是如史诗般一样的作品。专辑的时间正好是1个小时（不包括extra tracks），一共12首关于爱情及死亡的悲惨痛苦的歌曲，其中还有一曲Pink Floyd的“Hope”（Dave Gilmour做主唱时的Pink Floyd）翻唱。Vincent依然担当主唱一职，而且不象前些专辑中几近咆哮般的嗓音，Vincent用一种更为成熟更有技巧的方式表现自己的嗓音，在Anathema感情低调的音乐中衬显着Vincent庄严的声音，乐队深厚功底更增强着古典音乐元素的底蕴——这种音乐随后取得了良好的回响。

接下来的两张专辑里Anathema体现了一种完全不同的风格,在原先音乐的基础上做了果断而重大的调整。“Alternative 4”是乐队第四张专辑，但仍会象他们第一张专辑一样给人以全新的感觉，Anathema面目一新的音乐再次博得广泛的喝彩，而“Alternative 4”也成为乐队历史上一张比较杰出的专辑。尽管音乐中加入大量传统摇滚乐元素，但仍如前几张专辑一样保持着自己阴暗的一面，再加上简洁的专辑制作还有Vincent出色的主唱表现，“Alternative 4”无疑是乐队最精练的一张作品，这也是贝斯手Duncan Patterson最后一次为Anathema录制的专辑。

1999年乐队发生了一系列变化，加盟Music For Nations并还找来了新的贝斯手Dave Pybus，以及原来的John Douglas做鼓手，随后乐队去意大利录制了“Judgement”。Anathema原先几张唱片销量都很好，但乐迷们知道乐队最经典、最具代表性的专辑还没有出世。而到了新千年，即乐队10周年的前一年，这种等待总算结束了。

键盘手Les Smith（Les Smith在乐队为专辑“Eternity”做的巡演上就曾出过一份力）在2001年加入了乐队，并且参与了创作的工作，Les的成果在专辑中有着鲜明的体现，他也在录制专辑期间担当了工程师助手。Anathema的第六张专辑“A Fine Day to Exit”发行于10月1日，这张“A Fine Day to Exit”由Nick Griffith（Cast,Mansun,Pink Floyd）出任制作人，乐队用2001年的整个夏季最终在Chapel的Windings录音室完成了录制工作。“A Fine Day to Exit”再次说明了乐队有能力探索新的音乐疆界，同时又不失原先音乐中的梦幻氛围以及感情标准。专辑一经发行便取得了热烈的反响，并被认为是Anathema迄今以来最为出色的作品。在完成录制后不久的7月，Dave Pybus由于一些个人原因和音乐上的意见不合而决定离开乐队，同时George Roberts为乐队巡演担当了临时贝斯手，但Anathema仍在寻找下一位永久贝斯手。

Anathema依靠去做每一位艺人都应该能够做到的事情——写出好的作品——而达到了自己的目标。现在Anathema开始全球巡演只是时间问题了，因为这是乐队现在应该去做的。
推荐歌曲Scars of the old Stream（点击下载）

Raito

55.Dream Pop（梦幻流行）
        梦幻流行是另类金属的一个流派，它依音速处理音乐质地来表达悦耳的音调。梦幻流行尝使用气声和充满回音的吉他效果和电子合成器来加以处理效果的。尽管the Cocteau Twins通过他们模糊的声音和颓靡的音景常被看作是梦幻流行的领导者，但是这个流派在形式上还有比缓慢电子结构更为多的的差异。梦幻流行也包含Galaxie 500的the post-Velvet Underground 吉他摇滚，以及My Bloody Valentine的loud, shimmering feedback。他们都因依音速处理音乐质地，表演手法与唱腔的相同形式而归为一类。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Acetone

        头一次接触这支乐队，是在一个下雨的冬夜，在土豆家翻他们的杂乱无比的CD册，看见一张没有封皮、土黄色的打口——ACETONE？没听说过，可上面那 Vernon Yard 唱片公司的狼头标志（还是狗头？） 吸引了我，记得我最初买LOW的打口磁带的时候，那老板（也许是我见识过的最好的卖打口的了）就告诉我 Vernon Yard 这唱片公司不错。于是，在寒冷幽暗之中，偌大的房间里响起了清醇的 Folk +Blues 的 ACETONE，我坐在土豆的沙滩椅上，感觉到淳朴而清新的空气在流动，仿佛回到了“如果你是朝露，我愿是那小草，如果你是那片云，我愿是那小雨”这样的校园民谣流行的八十年代。
现时的唱片工业是如此发达，音乐的分类也越来越复杂，听众的口味不断改变，今天流行“另类”，明天时兴“电子”，不少乐队有意地使自己的作品打上种种特定的烙印，以迎合听众的需要。而来自洛杉矶的 ACETONE 则是一支不迎合潮流口味的乐队，他们只凭自己的对音乐的个人喜好而创作。
1987年，乐队的三名成员走到了一起，主唱/贝司手：Richie Lee，当时在加州一所艺术学校学习油画；吉他手：Mark Lightcap，同一所学校的作曲系学生兼大号手；鼓手：Steve Hadley，是 Lee 在中学时认识的。他们只是出于对音乐的爱好，聚在一起自娱自乐地演奏和创作，在这样的轻松随便的过程中渐渐地加深了对彼此的个性和音乐口味的了解。同时，随着他们的音乐理念和技巧的成熟，也渐渐地形成了自己的音乐风格。一切都顺其自然，随心所欲，他们从不把自己固定在一个音乐模式中。就这样，ACETONE，以其亲切而容易引起共鸣的音乐，默默地抵抗着繁杂而无意义的音乐分类。Lee解释说：“语言使你的作品带有某种特色，人们大概就凭这个将你的音乐归到某个分类中去。可是，艺术是跟语言无关的，而是利用语言来达到更高的境界。假如你的音乐已被定性为某一类，听众就会想，‘哦，这种类型的音乐就是这样的啊。’如此一来，音乐就不再是一种体验了。其实这些分类跟音乐本身一点关系都没有。”Lee的这番话，或多或少流露出他的视觉艺术家的气质。
ACETONE 的首张专辑，《Cindy》，发行于1993年，包含了朗朗上口的流行调子、车库摇滚、地下丝绒式的粗糙失真轰鸣，显示了乐队音乐风格的多样化。而1994年发行的 EP，《 I Guess I Would》，则转向乡村摇滚风格，总共七首歌，翻唱了The Flying Burrito rothers乐队、John Prine、Johnny Horton等乡谣前辈的作品。1996年，乐队的第二张专辑，《 If You Only Knew》，更充分体现了乐队的渐趋成熟、生动丰富的音乐技巧，整张专辑就是非常自然的个人情感流露。
从1997年发行的第三张专辑《Acetone》起，ACETONE 转投到 Vapor唱片公司旗下。这是该乐队全情投入创作出的又一颗结晶，延续了乐队一贯坚持的不断向前发展、不断重新自我定向的努力。主唱 Lee 说：“我们就好象建筑工人一样，先把房子的各个部分砌好，完了再把它们拼到一起，从而完成整座房屋的架构。在这张专辑里，我们更强调现场录音。”在录音过程中，尽量使一切保持简洁，结果却使《Acetone》获得了既纯净又不失多元化的出色效果。在<All The Time>一曲中，展现了扑朔迷离的画面，正如 Lee 唱道：“What I'm saying / How I wish it were clear.” 另一首歌，<Shobud>，ACETONE 把 Twin Peaks 式的抽象布鲁斯融入歌曲中，创造出神秘的和音。而<All You Know>听起来显得懒洋洋、无精打采的，展现了生活的另一面。ACETONE 的音乐，混合着草根布鲁斯和弦，生动圆润的音色，内省而诚挚的歌词，自然地散发着美的光泽，为乐队赢得了同行们的尊敬，例如 Garbage，The Verve，Oasis，Mazzy Star等乐队，都曾邀请ACETONE 一起巡回演出。
在 ACETONE 看来，音符、旋律、歌词、和声应该在不受限制的空间中和谐地碰撞。他们的音乐，是在对音乐本身的思辩的追求中不断成熟的。有一点在他们看来至关重要，那就是，摇滚乐主要地是一种体验.这也许值得我们这些听音乐的人借鉴。
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