Raito

69.Garage Punk（车库朋克）
         在美国90年代朋克复苏时的流行朋克派别冲击了主流音乐前，一个不同于复兴朋克的种类已经塑造了地下音乐的独立摇滚的形态。一般来看，车库朋克并不是和流行朋克的旋律接近；代替的是，车库朋克勾画出自身的主要灵感是来自于the Stooges和the MC5的the Detroit proto-punk。相对于车库朋克容易上口的旋律来说，它所表现的态度和噪音更为重要，并且它的态度是通过音乐中的声音来表示的：下流的，污秽的，简单的，愤怒的威胁的和平白显露的丑恶。在80年代末和90年代初一些最早的车库朋克乐队带有Sub Pop的形式开始在舞台上显露（Mudhoney, the Supersuckers），早期的车库乐队参与了一些同样的影响和美学（实际上，Mudhoney成为了车库音乐的创始人之一）。虽然车库朋克从没有打击到主流音乐，像New Bomb Turks 和the Humpers这样的乐队却帮助此风格维持了一群乐迷在整个90年代。加上一些重摇滚乐队的复兴运动（例如Nebula）开始创造了一些细微的迷幻变化在车库朋克上。

具有该风格的乐队/艺人名单：

the White Stripes  

        “The White Stripes” (白色条纹) 乐队可能是世界上最神秘的乐队。队中的一男一女 Jack White（杰克·怀特）和Meg White（梅格·怀特）声称是兄妹关系，然而有狗仔队的证据明明证明他们是曾经恩爱如今已劳燕分飞的夫妇。他们曾经对记者讲，他们正饱受现实困扰之苦，转眼却被音乐界奉为音乐世界救世的救星——他们将60年代粗野却饱含活力的车库摇滚重新带回了音乐界，使奄奄一息的欧美音乐界忍不住眼光一亮，乐队随之飞上了美国摇滚乐的浪尖。

　　“The White Stripes”成军于1997年。最初，因为穿得像两颗糖果（在中国，会不会有人说他们像两个红包套）和没有贝斯手，他们获得了一定的关注。1999年和 2000年，他们发行了两张唱片后，获得了和“Pavement”（人行道）乐队一起巡演的机会。在发展过程中，乐队开始把音乐做得充满孩子气，这和他们的装束也是一致的，同时他们又在孩子气中加入了人见人爱的幽默感。这是乐队最终胜出的又一大原因所在，而为国内很多“资深”乐迷所津津乐道的“Blues Explosion”（布鲁斯爆炸）尽管有着稚气的风情却由于缺乏幽默感而并未在欧美主流乐坛形成气候。

　　和1992年的“Pavement”乐队一样，“The White Stripes”为独立摇滚乐界带来了浪漫和传奇。到2001年夏天，发行唱片《Blood Cells》（血液细胞）的时候，“白色条纹”已经成为了文化热点。那一年，他们正式签约到了有着相当影响力的V2唱片公司，并拍摄了用于电视台播出的MV。热衷文化讨论的方家们说，他们是上帝送来的天使，他们来治疗音乐界自“Limp Bizkit”（软饼干）以来的创痛。

　　 V2总裁Andy Gershon（安迪·格尚）以150万美元的代价将“The White Stripes”签到了自己的公司里。因为这一点，他被很多人称作一个富有远见卓识的人。他说：“你首要的判断十分重要。每个人都会认为他们缺少一个贝斯手，他们的小样录制得太单薄了。但是，在我听来，他们已经足够好了。他们令我惊奇，我知道他们需要什么样的帮助。”

　　 “The White Stripes”与“The Strokes”（敲击）乐队、“Hives”（麻疹）一起被称作复兴车库摇滚乐的摇滚生力军。其实，他们的贡献不仅仅如此，多少年后，人们会发现，这帮酷毙了的家伙们所奏出的声音，是如此神奇不可方物。

　　 “The White Stripes”来自底特律西南部的一个小镇，出身为略低于中产阶级的阶层。他们称自己的家庭有10个孩子，而自己是最小的两个。他们说，有一天梅格在阁楼里发现了一只鼓，不久他们便组建了“白色条纹”。但是，千万别相信他们。事实上，最初，杰克开了一个小杂货店，而梅格一直在酒吧里作服务生。他们的确来自底特律，而且他们还是底特律这些年来的第一支车库摇滚乐队，尽管他们一直没有找到一个贝斯手。

　　底特律有很多未经修饰充满原始魅力的乐队，他们聚集在几个固定的酒吧里演出。杰克为他们录制了一张合辑，录音室便在他的卧室里。这些乐队都一个共同的特征，他们都在复兴60年代的老东西。曾几何时，人们以为那些东西早已经老掉牙了，如今，当这些年轻的乐队重新诠释那些音乐的时候，人们突然发现，原来老去的只是自己的心态。“The White Stripes”无疑是这帮乐队中的佼佼者。

　　不同于他们的蓝领兄弟们，“The White Stripes”有着娇好的艺术气质和引人入胜的神秘感。这也许是他们成为媒体宠爱的原因之一。事实上，人们认为他们是美国继“Sonic Youth”（音速青年）以来的最伟大的乐队。人们分明在他们的音乐中听到了那些最根本的震撼。 白色条纹”不能被简单地归类为那些随处可见的摇滚乐队，他们仍然是独一无二的呵，毕竟在面对歌迷们的时候，音乐是第一位的要素。如果忽略了他们的音乐，人们往往会将他们看作一支通俗小说般简练有趣的组合：他们的衣服的颜色永远由红白黑三色组成，而且前两种颜色占据了人们视野的大部分空间，他们没有贝斯手，他们与人们的交流也像塑料糖纸般透明脆弱——即便是撒谎也那么幼稚。但如果你愿意，亲爱的，透过他们憔悴的表象，你便可以发现他们正在做着那些最伟大的摇滚乐队所被期待去做的那些事。将狂野的朋克乐与更多的根源音乐有机混合以后，杰克和梅格演唱着那些复杂内省的爱情歌曲，气焰与内涵直追全盛时期的“Cocteau Twins”（双子星）主唱Liz Phair（利兹·艾尔）。他们将布鲁斯与当代精神进行了近乎完美的混合，然后奏出时代爱的最强之音。回望两人从底特律开始的奋斗历程，他们的后现代车库摇滚便拥有了更浓郁的亲和性。无论是在东京、巴黎还是纽约，他们的声音有着同样的杀伤力。

　　 一切都显得生硬和不够完美，然而这却是这一切为何感觉如此之好的最根本的原因。未完成的永远让人有期待，而期待便是最美的。
推荐歌曲：Conquest（点击下载）

Raito

70.Glam Rock（迷惑摇滚）
        常常和80年代的微金属弄混淆（至少是对于美国的听众来说），迷惑摇滚几乎是英国专属的，在英国70年代中期的流行范围非常广。迷惑摇滚是相当简单的，破碎的吉他摇滚因其夸张的蛮横被大众完全接受了。大部分的这类音乐用来自年轻人的流行泡泡糖摇滚舞曲和早期摇滚的摇动节奏令人不安而且易记。但是那些纯真声音在诠释的过程中被覆盖，变成了不自然的，眩目的主技演出技巧和关于性的。事实上，迷惑摇滚从没进入美国市场的一个重要原因就是它的表演者故意关注性，穿鞋古怪的服装，视觉性装束的效果。一般来说，迷惑摇滚分为两个派别。最流行的是T. Rex的故意任意使用碎屑的风格；领导者Marc Bolan倡导了迷惑潮流意识和创造出了全都关于性和愚蠢滑稽的风格---或是使它进入另一种以主流面目为特征的道路。像Gary Glitter, Sweet, Slade这样的乐队跟随了the T. Rex的审美观，并改进成了另一种风格，这就是众所皆知的glitter（更排外英国）。
但是因为这种风格对想象的依赖太重，迷惑有着令人惊讶的艺术面，被David Bowie和Roxy Music所概括。这种流派无论是从音乐还是歌词看都更加充满喜剧效果和野心勃勃；迷惑音乐为那些塑造他们意愿中角色，将他们风格意识创造成完全艺术性，并探索潜伏在流行耀眼音乐表面下的黑暗的乐手们提供了机会。除此之外，独立的美国迷惑摇滚乐队就是the New York Dolls，他们自然的Stonesy proto-punk听起来有别于同类的英国乐队，但是他们的无价值的美学观，异性装扮的剧服使它们被明显的归为这一个阵营。迷惑音乐真正有效的打击了电子战正式通过1971年的T. Rexs，但是1972年使它风格突变的一年：T. Rex通过The Slider巩固了它的声望；David Bowie解散了它的经典Ziggy Sardust并且重组了Mott the Hooples star---发行了All the Young Dudes这张专辑；Roxy Music演出了他们极具影响力的初次登场；the New York Dolls开始了他们英国的第一次巡回演唱会。迷惑摇滚在1976年创造了最高峰，当大部分它的残留主力乐手都离开了这种风格或是放弃这份工作。然而，迷惑音乐对于主要成长在英国朋克运动中的小孩有一定的影响力，甚至在戏剧化般阴暗的前朋克中有更大的影响。当然，迷惑摇滚在80年代流行金属中非常重要的，尽管除了Daf Leppard之外，许多的乐队都来自美国并且对最初的发起者有很少的了解。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Lou Reed

        Lou Reed1942年出生于纽约布鲁克林，1965年与键盘手John Cale合组地下丝绒乐队(Velvet Underground)，主唱兼吉他手的Reed便一直是各方焦点，这个被普普艺术大师安迪．沃荷(Andy Warhol)发掘且担任经纪人的团体不仅是纽约摇滚乐发展上的重要乐团，其粗糙、反商业体制呈现摇滚原始精神的理念也使得他们被推崇为地下音乐或非主流 音乐的始祖，身为团长加上作曲主力的Lou Reed更被后人尊为庞克教父。
1970年Reed离团前往英国思考未来音乐方向，两年之后才发表首 张同名个人专辑；首张现场专辑“Rock & Roll Animal”于1974年3月推出。Lou Reed最新的现场专辑“Animal Serenade”距上述受到各方好评、收音于纽约音乐学院的“Rock & Roll Animal”正好30周年。
Lou Reed的歌有许多都是叙事体，内容对听者而言十分重要，既有内心反省、社会叙事的作品，也有以性爱、药物为内容的歌曲。曲目编排越后音乐起伏越大，听者也随之进入“Ecstasy”之境；不需亲自体验，也能进入“Heroin”的世界。
   
Lou Reed作为当今摇滚界首屈一指的元老级人物之一，其音乐历程从六十年代至今横跨接近半个世纪，见证了当代音乐文化的万千气象。在离开地下丝绒乐队后，Lou Reed的单飞生涯在三十多年内几起几落，最终修成正果，成为全球亿万乐迷顶礼膜拜的教父式人物。

提 及Lou Reed，就不能避开上个世纪五六十年代如火如荼的波普艺术之风。在那个年代与社会，西方世界的文化格局挣脱了精英审美体制，波普艺术的生活化、平民化、 廉价化等极度自由的创作与欣赏形式在当时的年轻人中得到瞬间的拥戴，并在极短的时间内飞砂走石般地席卷了整个西方艺术格局。

在美国，安迪·沃霍作为巨星般的波普艺术之王，在美术、电影方面大展拳脚之时，也暗自对音乐情有独钟。他结识了以Lou Reed为首的几个问题青年，然后制作了一张封面印着一根黄色香蕉的怪异专辑。

之后的事情，作为过期的新闻泛滥了几十年，“那张专辑只卖了几十张，而买了的人日后都成为了摇滚巨星……”

地下丝绒作为另类摇滚的祖师爷人物，他们并没有受当时披头士的“壮年期”影响，甚至是相对的。披头士做迷幻的加法，而Lou Reed做减法。他不在意唱片能卖多少，他这种坚决地“做自己”的姿态，也正是他日后的魅力与才情能几十年不倒的本质原因。

1972 年Lou Reed发行了首张个人专辑《Lou Reed》，收录了十首作品。在当时地下丝绒仍余温未尽的局势下，这张专辑没有受到更多的关注。当然专辑的整体质量也未见完美，风格有点散，并未展现出 Lou Reed的全部水准。但是作为Lou Reed的初试啼声，它与地下丝绒的黄香蕉专辑一样，具有无可忽略的启示性意义。
推荐歌曲：Perfect Day （点击下载）

Raito

71.Glitch（电子脉冲）
        始逐渐成为音乐制作的附属工具从而使用传统的类似办法创造电子音乐的手段黯然失色，这种多色彩的声音很快就扩展了，因而the clicks+cuts这种风格在90年代末期令人意想不到的诞生了。乐手们不再为打击乐器，合成器和小样的顺序所局限了，而是可以创造可想象的任何声音，包括了离奇的数码电子脉冲领域---这种可能通过年轻的一代很快的被开发出来，他们仅在卧室里用一台电脑和合适的软件就可以完成整张专辑的录制。类似90年代早期的先驱者Aphex Twin和Autechre已经预想还没被完全探究清楚的电子音乐领域会很快逐渐缩小，同时，另一个孤立的先驱者的乐队被Robert Hood和Basic Channel所领导，拨去了已经在根本上成为不比陈词滥调好多少的电子音乐基础，以电脑武装的第二浪潮学下了这些美学并且使用软件来创造精微复杂的合成物，回听这些先驱。第一个带有德国技术意识形态的战士塑造了Achim Szepanski这个角色和他稳定的唱片标志---Force Inc, Mille Plateaux, Force Tracks, Ritornell---这些紧密联结的由试验乐手根据实验技术，即保守行动，数码抽象拼贴画和噪声脉冲创造出来的精神混合物，很快找回了自己从而组成了一个共同体。尽管像Oval, Pole和Vladislav Delay这样的乐手因为评论家的预言而自己单干，但是Mille Plateauxs大规模clicks+cuts风格的编辑为地下运动最先下了定义，不仅探究出了宽广乐手名单还开创了一块宽广的活动范围。用于编辑的乐手，随同一小批在有软件头脑，以Cytrax为标记的加利福尼亚一些地区，如旧金山或是硅谷，很快找回他们自己，像在另一场电子音乐运动中被众人欢呼的们一样。

并不是从很早以前the clicks+cuts的美学观点就开始被现存的流派拓展，它的变化归咎于无止境的在审美学上的变异，如MRI的click-driven house和Kid-606的N.W.A”Straight Outta Compton”般的再混合式电子脉冲。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Alec Empire

见15楼

13308895682

长了很多见识啊~~~~谢谢LZ不遗余力的介绍~~~
我比较喜欢艾米纳姆~~他又是什么风格?

13308895682

长了很多见识啊~~~~谢谢LZ不遗余力的介绍~~~
我比较喜欢艾米纳姆~~他又是什么风格?

13308895682

网络卡~~不好意思多发了一个~~~抱歉~

Raito

72.Goth Metal（哥特金属）
        哥特金属被阴暗，不断喧吵的哥特摇滚的冰冷气氛和重金属侵略所包围，发现了在戏剧意识和用宗教，惊骇来装饰的抒情诗般的吸引力两种风格中存在着的中间立场。像前朋克般居先的哥特金属，暧昧的仿古，金属乐队般如Rainbow, Dio和Judas Priest般已被被形容为哥特的次要的嗓音，如果没有更多的特征，那么除了真正的哥特金属总是被哥特摇滚直接影响之外，缥缈的合成器效果和幽灵般的感觉同样和吉他重复段一样重要。因此哥特金属常常保留请求听众站在天平的两端。哥特金属最先在80年代中期前段浮现，以洛杉矶为中心，所以也常被叫做“死亡金属”，这个以Christian Death为首的发生地。很多哥特金属乐队自从在美国和欧洲跳跃起来之后，便通过tongue-in-cheek Type 0 Negative在90年代更广的另类金属听众中爆发了。在后10年期间，哥特金属同样被认为在黑色金属乐队寻找新的使他们的嗓音更低沉的道路上起了很重要的影响。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Coal Chamber

        在当今的西方摇滚乐坛上，有一支另类金属新锐似有取代korn而成为最为走红风光的新人摇滚团体之势，它就是本篇专题文章之主角—Coal Chamber（煤库）。

Coal Chamber起先成立于1994年，当时由乐队的主唱兼词曲作者Dez Fafara和主音吉它手Meegs Rascon通过音乐杂志上的分类广告而结识，由于双方均有组建乐队的愿望，另有共同志好的鼓手Mikey "Bug" cox和女贝司手Rayna Foss-Ross的加盟，这样Coal Chamber的雏形就已形成了。1994年末，Fear Factory（一著名的独立音乐厂牌）制作人Dino Cazares在聆听了他们在Roxyhe Whiskey A-Go-Go俱乐部中演出小样后就把Coal Chamber推荐给Road runner唱片公司以便提供给该乐队出唱片的机会。可乐队的主音歌手Dez不满乐队成员拒绝其妻子的加入而愤然离队而去。到了1995年春，随着一句“美满的婚姻无需影响我的音乐事业的发展”，Dez回心转意并毅然归回于“煤库”。Coal Chamber真正的发迹是他们在1997年“落杉矶另类金属浪潮”（L.A Alternative Metal Scene）中脱颖而出般的音乐表现，他们同年推出的乐队同名专辑广受乐评界的好评。

Coal Chamber的音乐作品代表着Heavy Metal/Alternative Metal/Industrial Metal这种日渐成为时尚音乐的曲风模式：重量级，“黑色安息日”式的黑暗音氛，Pantera型的张狂、非可听性吉他弹奏，Grunge，White Zombie或Tool乐队惯用的噪音处理伎俩，另有明显的Hardcore、Punk和少许Hip-Hop成份并形成独具一味的“Spooky-core”创作演绎手法。

回顾过去十年，White Zombie是90年代最具有影响力的重金属Band。“煤库”首张同名专辑的创作受其影响颇大：乐音嘈杂，歌曲呈整体状以及咄咄逼人的攻击性气势，这些“煤库”学得皆精妙可叹。Coal Chamber新近推出的第二张专辑《Chamber Music》（煤库的音乐）的录制就象80年代的Bauhaus和近年来的Marilyn Manson那样拓展性地应用电子乐来演绎表现工业噪音作品，甚至弦乐的加入也成为了此张专辑的一个亮点，但《Chamber Music》专辑最令人激奋和难以忘记的地方依然是大段大段吉他快速而爆裂的演奏音效。Coal Chamber石破天惊般另类金属作品是具有一定的革新性的，它们必然会令任何摇滚乐迷不禁心动不已。

去年的9月7日，Coal Chamber的全新专辑《Chamber Music》正式发行，为此Roadrunner唱片公司还特意举办了一个小型Party暨新闻发布会。以下的篇章是到访的记者发来的随行报道，通过阅读这些文字相信你一定会对Coal Chamber与其音乐会有一个更全面的了解。 在落杉矶璀璨夜景的烘托下，为庆祝Coal Chamber乐队第二张专辑《Chamber Music》首发的小型派对暨新闻发布会拉开了序幕。这个人气很旺的Party高居于西好莱坞城Le Parc大酒店的楼顶，晴好的夜空里散布着点点繁星，酒吧正在营业，汉堡包在烤架上被烤得咝咝作响，屋内的灯光也柔和得使人心怡。

Coal Chamber乐队的主音歌手Dez Fafara此时坐在一个宝塔状的凳子上，边不停地啜吸着杯中的红葡萄酒边找人聊天：“我们组成的原因十分简单：因乐队成员之间的相互赏识而走到了一起来；我们对新专辑的期望值很高，它应该成为各个时代的歌迷歌颂的作品集”，Dez这样自信地说道。乐队经理人，老牌重金属乐歌手Ozzy Osbourne的妻子Sharon Osbourne在忙完去年的“ozzfast Juggernaut”巡演活动后也搭乘她的私人飞机赶来参加聚会了。Sharon认为，“煤库”乐队的音乐能在极短的时期内征服大量的歌迷并迅速打入美国主流乐排行榜。“在没有任何电台滚动播出或MTV作宣传的情况下他们就已卖出了70 万张唱片”，她解释道“更令人感到兴奋的是，即将进行的巡演还能使Coal Chamber创建更大的歌迷群。”

在会场里，来自全球各方的媒体记者在忙碌地穿梭出入，此刻他们正用不同的举止及各异的表情来表达时差反应带来的不适，只有一只小型低音音箱被孤零零地撂在墙角。伴随着一阵骚动和叫喊声，“煤库”乐队的现场演出开始了：夹杂于嘈杂刺耳的吉他声和雷轰般猛烈的鼓声之间，Dez怪躁尖狂的嗓音已经吼出，不需明论，到场的人已明白重量级的金属乐队的热量已升腾了起来......。

在Coal Chamber夸张性的演出过程里，或许你更希望看到这样一幅酒徒醉后狂欢之景象：悬挂于天花板中央的枝型大吊灯正张牙舞爪般地四处晃动，呈白色泡沫状的香槟酒在半空中随处喷飞，一辆凯迪拉克加长型轿车突然从屋顶上一下子跌落至楼脚旁的人行道上。

精彩的演出结束之后，Dez坐定并得意地笑道：“这还不全是我所擅长的‘Spooky-core’音乐表现方式，我可使它演绎得更为光彩与完美。”他从包内取出一张Motley Crue的《Shout At the Devil》（向魔鬼喊叫）。“Moltey Crue的音乐伴随着我的成长，他们于我而言可谓乐神了，”Dez如此表白道“我记得当我注视Moltey Crue唱片封面时始终怀疑他们只是凡人而已，尤其是Tom Lee的鼓击简直就像魔鬼的手指在鼓群上魔幻地运作，Coal Chamber乐队的组建也是受其影响和鼓舞，我们应该创作一些给人在视觉和听觉上都产生强烈震撼和享受的作品来。”现在Dez和他的乐队已有了两张专辑问世，他在轻松得意的同时也承认近几个星期以来已感到了几许紧张与压力。Dez接着无奈地谈到，三天前他一个上午打了三次电话给Sharon询问《Chamber Music》是否会取得成功，而她则最后不耐烦地说道：“放松些，Dez，每个歌手此刻都会有相似紧张的心情，我要告诉你的是它是张很棒的唱片。”

非常有意思的是Dez的个人经纪人Anahastasia把这张新专辑的封面设计成了天使翅膀的图案，它象征着专辑中多首歌曲所涉及的坦诚之情感主题，另外专辑里每首曲子的标题也是由Anahstasia来最后确定的。当Dez羞涩地微笑时她补充道：“我觉得它是张收录有最美歌曲的唱片，它要表达的是Dez在人生道路上遭遇各类挫折后的感受以及他对和平与快乐的个人观点；如果说Coal Chamber的首张专辑反映的是作者对自己的恐惧和偏执心理作不懈争斗的话，那么《Chamber Music》专辑展露的则是他在繁华浮躁的现实生活中敢于超越自我的信心。

《Chamber Music》专辑是由曾为orgy Spineshank等重摇滚艺人担任监制的一流制作人Josh Abraham制作完成的富有新意之作品集，它的出现预示着落杉矶另类金属领域“新乐队”的创作水准趋向于成熟：“煤库”乐队的鼓手Cox突发奇想在编曲时运用了键盘和音效处理器，贝司手Rayna和吉他手Meegs被公认为是出色的激情重摇滚乐手，特别是Meegs已被权威杂志《Guitar》称作是“天才型”吉他高手。毫无疑问，Dez Fafara是Coal Chamber乐队的领衔任务，当乐队前往马萨诸塞州边远地区的私人录音棚录制专辑中的歌曲之前，这位主音歌手还特意去上了几堂发声训练课，而后随之而来的超宽广音域令他自己也感到十分吃惊。“在录制这张专辑之前我并不是一位标准的“主音歌手”，他声明“我专门找了一位声乐老师帮助我把握演唱超高、超低音的技巧，自此我的演唱水准就得到了突破性的提高。”

在《Chamber Music》专辑里Dez的情感流露也达到了一个新境界。暴风骤雨般猛烈的歌曲“Tyler's song”（泰勒之歌）之创作灵感来源于他的儿子的讲述。一个强壮欺凌弱小的事件。Dez严肃着表情，缓缓地说：“我对此类事情也很有感触，当我小的时候也有人用废罐头扔我或把牛奶浇在我头上，我告诉儿子，对待此类事件应当自卫，而事实上大多数受欺凌的儿童却都选择忍气吞声；我在此歌中用近乎嘶喊咆哮的音调来阐述我观点，这是一首带有教育意义的歌曲。”专辑里余下的歌曲谈及的全是个人生活的感受：“Elcu Cuy”和“No home”（没有家庭）显露的是乐队成员对永无休止的摇滚巡演的厌恶和恐惧；“Untrue”（非真实）是一首有关失恋的曲子；“Tragedy”（悲剧事件）的创作用意是开化一些固执而不听任何人劝告的人不要一意孤行地干傻事。“我想我更象是一个叙事者而不是一名单纯的歌手或词曲作者，”Dez补充道“煤库是一支典型的应用真实故事作为素材来创作音乐作品的摇滚乐队。”

在未来的岁月，Coal Chamber将展开为期20个月的北美巡演活动。遗憾的是乐队的贝司手Rayna已有了7个多月的身孕，她将不能随队巡演。Dez介绍说：“我们不想让孩子在演出现场看到非成人化的举止行为，相信许多乐队都会这样做。”Rayna表示，她在生育事务完成妥当后会立即归队，因为她并不愿意放弃自己心爱的音乐事业。在“煤库”乐队的这次巡演期间，德裔女贝司手Nadja将替代Rayna的位置。Nadja坦言她对Coal Chamber乐队并不见熟，可听了他们的音乐后开始倍加喜欢Coal Chamber了。这位年轻的女贝司手笑着说：“为了参与Coal Chamber的巡演，我乐意两星期内学弹20首曲子，我对“煤库”的“Spooky-core”的音乐表现形式早已倾慕已久了。”

Coal Chamber的灵魂人物Dez Fafara是一位极有个性的歌手，这位经常声称决不会步Marilyn Manson之后尘去靠惊艳冷酷的形象来取悦大众的摇滚顽童会一本正经地对媒体说：“我就是我，我就是自己的上帝。”谈及即将开展的巡演，Dez流露出恐惧而兴奋的神态，“摇滚乐的生命力应在巡演中真实体现，一般乐队组合一年里只化3个月的时间作巡演，我们这次为期20个月的巡演计划绝对是‘牛X’了”，Dez如此狂妄地说道“当我还是个儿童时，父母就因我把自己的房间涂成黑色而与我争吵，我喜欢象Jim Morrison那样黑色的形象，我要郑重地对人们说：我们是与众不同的，你们不应该拒绝与众不同的人。” 与众不同的乐手演绎别致新颖的另类重金属乐，Coal Chamber（煤库）不会令你失望。
推荐歌曲：HeadstonesAndTheWalkingDead（点击下载）

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:35 编辑 ]

Raito

阿姆 风格Hip-Hop  网上很好查的

[ 本帖最后由 Raito 于 2007-8-13 16:43 编辑 ]

Raito

73.Goth Rock（哥特）  
        哥特是80年代前中期主要存在的前朋克一个分支。它以形成于地下摇滚的最黑暗和阴沉的特点很大程度上应受此荣誉，尽管今天它的荣誉更多的来自于乐队戏剧化的服装和它的追随者。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆，悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，病态，宗教思想和超自然神秘主义上。哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。The Cure，Siouxsie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson, 他们不顾很多关于不属于哥特风格的反面评论）。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Bauhaus

        Bauhaus可以说是歌特摇滚的教父级乐队，他们以刺耳的吉他和弦和冰冷飘渺的合成器创造了后朋克摇滚中简约主义的、孤高阴暗的代表性风格。在乐队简短的历史中，他们几乎探索了他们所追求的音乐中的所有可能性：在他们阴冷萧瑟的整体音乐氛围中你可以感受到华丽摇滚、实验电子摇滚、疯克乃至重金属的各种复杂成份。在他们的追随者们面对潮流无能为力地停滞不前时，他们所创造的风尚却非常成功地一直流传到了今天。

乐队于1978年由吉他兼主唱Daniel Ash、贝司兼主唱David Jay和鼓手Kevin Haskins和其后相当著名的主唱Peter Murphy组成。最初乐队称作Bauhaus 1919，1979年他们改称Bauhaus，意为德国的一个建筑学派。同年8月，乐队在独立厂牌Small Wonder Records旗下发行了单曲“Bela Lugosi's Dead”，尽管这首歌连流行排行榜的边都没摸着，但却成为了事实上的歌特摇滚圣歌，在英国独立榜上停留了数年，他们歌特摇滚之父的称号由此而来。三个月后乐队签约于Beggars Banquet的一个子公司，也就是国内名声显赫的4AD。在又发行了两张单曲后1980年10月乐队的处女专辑《In the Flat Field》发行，并居流行榜NO.72、独立榜NO.1。时隔一年，他们发行了第二张专辑《Mask》，这张唱片充分展示了乐队更加雄心勃勃的的音乐方向，这个新方向将重金属和电子音乐结合成了领先时代甚多的新的音乐结构，在不放弃原来音乐黑暗凶险内核的前提下，他们的音乐变得更易于被人接受了。《Mask》在商业上获得了相当的成功，同时也为乐队以后进一步商业化打下了很好的基础。其后一系列成绩不错的EP和单曲催生了1982年那张名列专辑榜第4的专辑《The Sky's Gone Out》。1983年Peter Murphy因肺炎而未能参加Bauhaus的第四张专辑《Burning from the Inside》的创作，结果反而使这张唱片充分体现了Daniel Ash和David Jay更个人化、更情绪化的风格。在Murphy康复后，乐队去日本进行了巡回演出，回到英国后于7月解散。

乐队解散后Murphy与日本的Mick Karn合组了Dali's Car，不久开始个人发展。

Ash、Haskins、Jay则在1985年提议乐队重组失败后组建了Love and Rockets。直到将近10年后双方事业均陷入停顿后，乐队才重组并在1998年进行了美国巡演，并发行了双张现场CD。
推荐歌曲：In The Flat Field（点击下载）

Raito

74.Grindcore（碾核）
        当碾核这个名词经常与有些联系的死亡金属交换使用，这两个其实是有很大差别的，虽然有相似的特征，同样结构的音乐，特别是近些年来越来越相像。当它在80年代中期第一次露面的时候，碾核因它完美用短的篇章所组成的机构带起了重金属乐器风格上噪音演奏的一阵潮流（扭曲的吉他，贝斯和鼓声）。虽然碾核不是随便的临时准备，它的确也没有沿袭传统的音乐结构；即使有时重复段被精选出来，完美的碾核从不以诗篇，合唱甚至是悦耳的音调为特征。碾核的声乐特点听起来是痛苦的，归类于高倾斜的尖叫到低声，从喉咙发出的低沉的咆哮；尽管歌词经常是冗长的，很难被理解的。碾核带来的思想意识上的侵略就是如此，超越了指向其发起于鞭挞金属和硬核朋克根源的顶端，很难让人完全描绘出它事实上听起来的效果。无可争议的，碾核音乐形式的发起者是Napalm Death，他们在1987年发行了第一张专辑Scum，这也是一张最具碾核风格代表性的专辑。在Napalm Death这个乐队里，碾核更具有艺术性，在音乐中隐含着阴冷，暴虐和现代的腐朽；加之他们的歌词被愤怒的群体所包裹着。在歌词写作上更极端的乐队便是Carcass，这是唯一一个真正成为原始碾核音色缩影的乐队；他们可怕，血淋淋的咆哮形式是逐字的从解剖课本上参考而来的，为了最大的震动效果。然而碾核最初的形式是有固定限制的，它的强度可以很容易就转为self-parody；在Napalm Deaths的第二张专辑中，他们已经开始尝试工业的质地，一种融化，它可以证实流行不仅仅是依热爱用鼓奏出jackhammer节奏的乐队，而是同样可以用像Godflesh那样缓慢，忧郁的韵律（它本身就是一个Napalm Death的支流）。碾核酷热的强度不仅被地下重金属吸收了，还被acant-garde和试验音乐这两个派系借鉴：如的噪音乐队the Boredoms和Merzbow发现了它的灵感，爵士乐手John Zorn形成了碾核思想的乐队Painkiller（它是以早期Napalm Death的鼓手为号召物的）。尽管完美的碾核是完全的英国现象，但早期佛罗里达乐队Death的专辑带有自然的，粗糙的和好供给的性质，从而使它们非常相像。除了吸取大部分碾核自然，恶魔般咆哮的嗓音特点，美国那些在有限的技术能力上相关联的死亡金属乐队，演奏出类似碾核般很快的节奏的歌曲效果。事实上，在90年代，Napalm Death的声音已很难分出是死亡金属或是碾核，并且Carcass已经成为一个成熟的死亡乐队。A.C.是少数几个仍坚持演奏原始碾核风格的乐队之一了。

具有该风格的乐队/艺人名单：

Brutal Truth

        BRUTAL TRUTH是一支非常著名的GRINDCORE乐队，不过他们的音乐风格与来自欧洲的NAPALM DEATH、CARCASS等经典GRINDCORE乐队还是有一些明显的区别的。主要原因是乐队的灵魂人物之一的DAN LILKER曾经是激流金属乐队NUCLEAR ASSAULT的成员，因此乐队的音乐风格或多或少的带有激流金属的特点，结构比较完整，不象传统的GRINDCORE那样狂乱而失控，但依然保持了非常激烈极端的气质。同时，乐队的另一位灵魂人物KEVIN SHARP是一位前卫派的极端金属杂志记者，因此BRUTAL TRUTH的音乐也有着很强烈的实验色彩。总体上来讲，BRUTAL TRUTH无疑是一支出色的GRINDCORE乐队，但更确切地说他们是一支带有美国味道和前卫风采的GRINDCORE乐队。

曾经是Nuclear Assault(核攻击)乐队的贝司手Dan Lilker在退出乐队后不久，由于他对Hardcore的执着，很快便与两位志趣相投的朋友吉他手Brent McCarty和鼓手Scott Lewis成立了一支新乐队，算上最后加入的主唱Kevin Sharp，这便是Brutal Truth的雏形。当然，对于一个新的团体来说，标新立异是个不错的主意。乐队从S.O.D、Anthrax(炭疽、Winter(冬季)等多支乐团的作品中得到启示，并尝试将高速的工业噪音同传统的死亡金属相融合。正是在他们不断的尝试与探索下，“Grindcore”这种全新的音乐风格诞生了。

这种奇异的风格立刻获得了英国Earache公司的垂青，他们随即同乐队签定了合约。接下来的不用多说，一切进展得是那么顺利，甚至出乎他们自己的想象。1992年的首张专辑《Extreme Conditions Demand Extreme Responnses》大获成功，不仅成为当时公司卖得最好的唱片，而且还被一些媒体评为当年十佳金属唱片之一。直到现在，国外一些地下音乐杂志在推举最具影响力的唱片时，它依然榜上有名，足见影响之深远。之后，乐迷们更有幸得到了与他们接触的机会，这便是由公司组织的全美联合巡回演出。除他们以外，还有同属Earache的 Napalm Death(死亡汽油弹)、Carcass(尸体)、Cathedral(大教堂)这三支团体一道上路。一段日子以后，乐队又与Fear Factory(恐惧工厂)结伴而行去了趟欧洲。

两年之后，第二张唱片《Need To Control》问世，之前 Scott Lewis因为某些理由离开了乐队，他的位置由Rich Hoak 替代。跟以前一样，Dan Lilker依然将部分时间用于其它团体上，例如EXIT—13(他担任贝司手／键盘手，该乐队主唱Bill Yurkiewicz是Relapse唱片公司的创始人)，但这并没有引来同伴们的指责，相反，两支乐队关系非常之好，还一起去了澳大利亚和日本。

那之后的几年当中，他们几乎没有任何动静。乐迷们只是不时听说他们又去了世界的某个角落进行演出。直到1996年底，突然传出消息，他们已改换门庭，成为Relapse旗下的一员，并随之推出了一张迷你专辑《Kill Trend Suicide》。这意味着他们又开始大展拳脚了。果不出其然。乐迷们期盼已久的新作《Sounds Of The Animal Kingdom》终于在1997年底推出了，如果有机会你一定要买一张，你不会失望的——如果你的耳朵足够“死亡”的话。  
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